Estudios sobre la intimidad, la fractura, y la belleza de lo que normalmente permanece oculto.
Alberto Maccari comenzó como director de arte para una marca de lencería. Al ponerse él mismo detrás de la cámara para sus catálogos, encontró la pregunta que ha dado forma a su trabajo desde entonces: no cómo se ve una mujer, sino cómo desea ser vista. Ese instinto se convirtió en la base de todo lo que vino después. Su trabajo ha aparecido en LIONS, INSTITUTE, Boudoir Inspirations, Art of Nudes y NORMAL, y ha sido reconocido en el PX3 de París, los International Photography Awards, el Tokyo International Foto Award y los Monochrome Awards. Su ensayo fotográfico Girls of Milan, construido a partir de más de cien sesiones a lo largo de un año, se presentó en la Saatchi Gallery, se distribuyó a través de The Photographers' Gallery y se incluyó en la selección AIGA. Private Distortion continúa ese mismo instinto: un interés por lo que una cámara puede encontrar en un sujeto una vez que la pose se detiene.
Private Distortion es una serie fotográfica en curso que investiga el cuerpo no como una imagen fija, sino como un campo frágil de percepción.
La distorsión que da origen a esta serie nace del comportamiento óptico de la luz a través del vidrio: la refracción, tratada aquí tanto como fenómeno físico como modelo conceptual. Traducida en un proceso fotográfico controlado, se convierte en un gesto repetible, que fragmenta el cuerpo no al azar sino según una lógica visual interna.
A través de este proceso, la figura se fractura, se estira, se comprime. El cuerpo nunca aparece entero. Parpadea entre visibilidad y desaparición, resistiéndose a la certeza de la mirada y negando un consumo inmediato. Lo que comienza como un gesto formal se vuelve gradualmente psicológico. El espectador no puede poseer la imagen de una sola vez. El ojo debe ralentizarse, ajustarse, reconstruir. En este encuentro inestable, mirar se vuelve íntimo, no porque el cuerpo sea revelado, sino porque es retenido.
Private Distortion desafía la tradición clásica del desnudo fotográfico como claridad y exposición. Aquí, la intimidad surge de la fractura, de la interrupción, de la imposibilidad de un acceso completo. La imagen no se entrega por sí sola. Pide ser completada. La serie avanza más allá de la representación hacia una experiencia perceptiva en la que el acto de mirar se vuelve lento, personal e interior.
Una búsqueda de rostros sin la calma ensayada de la pose. Mujeres observadas en el instante en que cae la máscara social, fotografiadas solo en el hueco que deja.
“Fui en busca de rostros sin máscaras, sin esas sonrisas educadas que huelen a pose. Los buscaba como se busca un secreto, observando sus ojos antes que nada, esperando ese pequeño instante en que la armadura cae. En esas grietas es donde intenté disparar.”
Una oscuridad interior hecha literal. Piel cubierta con un negro profundo y uniforme, antes de pedirle al modelo que encarne, una por una, las emociones de una lista antigua.
“Llevaba más de una hora esperando mientras la maquilladora cubría su cuerpo con una espesa crema negra, algo brillante y absoluto, como una versión destilada del alma humana. Apenas tuve tiempo de colocarme detrás de la cámara antes de que estallara en un grito furioso. Mi dedo pulsó el disparador por puro reflejo. Su encarnación de la Ira es la que más me gusta.”
La declaración de método más clara de la serie: el cuerpo iluminado solo por tonos opuestos, desarmado y reensamblado únicamente por el contraste.
“Todos recuerdan esas gafas 3D de cartón, dos colores luchando por la misma imagen, obligando a la mente a recomponer la realidad. Las formas no desaparecieron. Se deslizaron hacia una nueva dimensión, una en la que la forma se convierte en sugerencia y la verdad solo sobrevive como una imagen remanente en la mente del espectador.”
Una belleza accidental, conservada en lugar de corregida: prueba de que la serie confía más en un error que en una pose ensayada.
“Cuando le entregué las joyas, se abrochó el collar al revés y dejó que las piezas cayeran donde no debían. Funcionó, casi por accidente. Se movió un poco, sin saber que la línea de su espalda ya le había dado a la foto todo lo que necesitaba.”
El ornamento usado como interrupción más que como decoración. Oro y luz colocados para atrapar la mirada antes de que llegue al rostro, de modo que esa llegada, cuando se produce, se sienta merecida.
La distorsión más física de la serie: rasgos que se disuelven en corrientes de rojo y sombra, como si la propia impresión reaccionara al calor.
La desorientación ofrecida como confianza. Color licuado y reflejos pensados para reflejar una sensación de perder el equilibrio, no para ilustrarla desde fuera.
“Cuando estaba allí de pie, completamente desnuda salvo por los tacones que le daban diez centímetros prestados, se acercó a mí y me tendió la mano como si fuera lo más natural del mundo. Esa cálida colisión abrió la puerta a todo lo que siguió: las luces, los reflejos, y esa extraña honestidad que a veces solo aparece cuando ya no queda nada que ocultar.”
Un raro momento de quietud en la serie. La resiliencia fotografiada sin rodeos, sin el glitch ni el desenfoque usados en otras piezas para ganársela.
La gracia sostenida en ángulo. Una distorsión cromática usada para desestabilizar una pose que, de otro modo, se leería simplemente como regia.
Una colisión final entre el retrato clásico y el caos digital. Un glitch superpuesto usado para mantener una imagen por lo demás compuesta ligeramente, deliberadamente, fuera de control.
El título toma prestado el nombre de Moshe Dayan, el general recordado sobre todo por el parche negro que le cubría un ojo. Aquí la referencia se convierte en una broma privada sobre una visión dada a medias, retenida a medias, en sintonía con una serie construida precisamente sobre ese intercambio.
Gran parte de lo que define esta serie se decide antes incluso de coger la cámara. Una maquilladora trabaja durante una hora para llevar la piel a un negro uniforme y absoluto. Los diez centímetros prestados del tacón de una bailarina cambian cómo se va a mover todo el encuadre. Un collar se pone al revés y se queda así, porque corregirlo le costaría a la foto su honestidad.
Nada de esto se improvisa con descuido. Todo se dirige hacia un único objetivo, repetido: superar el momento en que quien posa recuerda que está siendo fotografiada. Un breve cortometraje de estas sesiones acompaña la nota curatorial que abre esta presentación.
Un cuerpo de trabajo sobre el coste y la recompensa de mostrar lo que habitualmente queda fuera de cuadro. Disponible para consultas de exposición, publicación y adquisición.